 Nabil
Nahas
Lebanese
Artist in New York (Copyright:
Lebanese Imprints on the Twentieth Century Volume 1 - Asma Freiha
and Viviane Ghanem)
Nabil
Nahas was born in Beirut on the 18th of September 1949. His father
Robert Salim Nahas, of Syrian-Lebanese origin had been born in Cairo
and owned a textile business. He had married Renée Achkar,
originally from Ain Aar in Mount Lebanon, where the Nahas family
came from Cairo to spend their summers. They were to have three
sons, Kamal, Naji and Nabil.
In1960, Nabil was sent as a boarder to the Aintoura Saint Joseph
boarding school where he completed his secondary studies. He grew
up at his maternal grand parents’ home in Ain-Aar and that period
of his life remains indelibly inscribed in his memory. The beauty
of the forests and landscapes he grew up in has been an unending
source of inspiration in his work.
Both sides of his family had an artistic streak and his early inspiration
came from Yvette Achkar, his mother’s first cousin, who was a pioneer
in abstract art in the Lebanese contemporary art scene. His paternal
uncle was Antoine Nahas, an architect in Cairo, to whom Beirut owes
its National Museum. He cannot have been much older than ten, hankering
after nothing but paints and paintbrushes, when he produced his
first oil painting of the dahlias in his grandmother’s garden. He
used to spend all his pocket money buying art books at Beirut’s
Librairie Antoine and thus developed an in depth knowledge of modern
art. By the time he was fifteen, he knew exactly what he wanted
to do. He had read the reference book Contemporary Trends just published
by Albert Skira, a study of European and North American experimental
art in the 1950s. This study, rich with visual inspiration, had
opened vast horizons to him and was later to influence his decision
to continue his university studies in the United States. He chose
to attend the Louisiana State University studies in the United States.
He chose to attend the Louisiana State University in Baton Rouge,
with the support of his aunt Fina who lived nearby, and graduated
with a BFA in 1971. He was then selected by Yale University’s renowned
Art Department and there obtained his MFA and his Doctorate. In1973
he was awarded a post-Doctorate grant to paint giant murals for
Yale’s Chemistry Department.
Between 1973
and 1977 he taught at State University New York (SUNY) in Purchase
but chose to devote himself to his art and began exhibiting his
work. His very first solo exhibition was held at the Brigitte Schéhadé
Gallery in Beirut in1973. He settled in NewYork in 1974 where he
held his first American solo exhibition at the Robert Miller Gallery
in 1977.
He uses acrylic
and matter, often seashells, which he paints in electrifying colors.
His large works attract an international following of admirers and
collectors. Many of his works are exhibited in museums, notably
the Metropolitan Museum of Art in New York and the Flint Institute
in Michigan. In 1980 he was awarded the prestigious National Endowment
for the Arts Fellowship Grant. Nabil Nahas lives in Manhattan.
The American
art critic Nathan Kerman wrote of him thus; “…Nabil Nahas is an
American painter whose work does not so much “contain multitudes”
as it reconciles opposites. Whether implicitly or explicitly, Nahas’s
work explores extremes of size, scale, temperature and mood; and
seemingly polarized concepts such as nature and artifice, materiality
and immateriality, East and West, drawing and atmosphere, beauty
and “ugliness”, refinement, and well, - a deliberate, exploratory
gesture toward “bad taste.” … Placed between them, the viewer is
challenged, changed and energized as by a kind of chemical reaction.
…
Nahas is fundamentally
an innovator; … He has invented a way of painting whose results
look like no others… In light of his Lebanese origins, his paintings,
marriage of seashells with pigment, for example, might recall the
Phoenicians’ famous purple cloth, dyed using local murex trunculus
shells and traced throughout the ancient world; While his use of
gold and rich colour to create expanding, tessellated, interlocking
patterns contains hints of both Byzantine mosaics and Moorish coffered
ceilings.”
Solo
exhibitions:
1979 - Robert
Miller Gallery, New York, where the Metropolitan Museum in New York
by the means of an anonymous gift, added to its prestigious collection
of modern art his 60x60 in. acrylic on canvas entitled Tink Tonk
1980 - Robert Miller Gallery, New York
1987 - Holly Solomon Gallery, New York
1988 - Montenay Gallery, Paris and Holly Solomon Gallery, New York
1994 - Baldwin Gallery, Aspen, Colorado
1997 - Sperone WestWater, New York
1998 - Baumgartner Galleries, Washington D.C. and Milleventi Gallery,
Milan
1999 - Sperone West water, New York
2002 - XXVth Sao Paolo Biennial, Brazil
2002 - 2003 - J. Johnson Gallery, Jacksonville Beach, Florida
2005 - Xippas Gallery, Paris and Sperone West Water, New York. (Opium
and Candy)
Collective exhibitions:
1977 - 13th annual exhibition of Art on Paper, Weatherspoon Art
Gallery, University of North Carolina, Greensboro.
1979 - Paintings on Loan from Private Collections, Metropolitan
Museum of Art, New York.
1979 - New York Now, Phoenix Museum, Arizona.
1979 - Basel Art Fair, Switzerland.
1980 - Subject Space, Pratt Institute Gallery, New York.
1981 - Studio Museum of Harlem, New York.
1983 - Twentieth Century Art from the Metropolitan Museum, Queens
Museum, New York.
1987 - Razzle Dazzle, SSC&B Worldwide Advertising, New York.
1987 - Art against Aids, benefit auction organized by Livet-Reichard,
New York.
1988 - American Baroque, Holly Solomon Gallery, New York.
1988 - Arco, Madrid, Galerie Montenay, Paris.
1989 - Chicago Art Fair, Galerie Montenay, Paris.
1993 - Edward Thorp Gallery, New York.
1994 - Brian Gross Gallery, San Francisco, California.
1996 - Sperone Westwater, New York.
1997 - Galerie Tanit, Munich and Baumgartner Galleries, Washington
D.C.
1998 - FIAC, Paris Sperone Westwater, New York.
1999 - Group Exhibition, Sperone Westwater, New York.
1999 - FIAC, Paris Sperone Westwater, NewYork.
- October 1999 to January 2000 Souvenirs: Collecting, Memory, and
Material Culture, The Museum Guild Hall, New York.
- April to June 2000 Arte Americana; Ultimo Decennio, Museo d’Arte
della Citta di Ravenna, Ravenna, Italy.
- June to July 2000 Le Temps Fractal, Galerie Xippas, Paris.
- May to June 2001 Painting Abstraction ll, New York Studio School,
New York.
- November to December 2001 Green on greene, Sperone Westwater,
New York.
- January to March 2002 American Fractals, Blanden Memorial Art
Museum, Fort Dodge, lowa.
- March to June 2002 XXVth Sao Paulo Biennial, Brazil.
- March to April 2002 Invitational Exhibition of Painting and Sculpture,
American Academy of Arts and letters, New York.
- May to June 2002 Blobs, Wiggles and Dots, Webs and Crustillations,
The Work Space, New York.
He also designed sets for the ballet Occasional Encounter for the
Jennifer Muller Dance Company in 1988.
Article
in French: by Nada Anid (Esquisse Magazine d'art, Numero 6, Juillet
2002)
Si l’on
pouvait peindre la complexité, le travail de Nabil Nahas
en serait la représentation parfaite. Entre fissures, superposition,
filaments, pigments et érosion ; il est loin, très
loin de la ligne droite. Ses toiles atteignent un tel degré
de saturation qu’elles semblent nous porter dans la mouvance d’un
univers cosmique en ébullition.
Liberté de couleurs et de formes
En immergeant son regard dans un tableau de Nabil Nahas, on entre
dans une zone de turbulences chaotiques. Arcadia, Aurora, Galatea,
Mercury, Mars et Venus, l’appellation de ses toiles évoque
déjà des espaces infinis, l’immensité de l’espace
cosmique et une forte inspiration du monde naturel.
Nabil Nahas est né en 1949 à Beyrouth et a passé
ses premières années entre le Caire et le Liban. C’est
ainsi qu’ironiquement, grâce à ses origines orientales
et au milieu ouvert où il grandit, qu’il aura accès
au modernisme européen, le tremplin futur vers l’abstraction
new-yorkaise. Il arrive aux Etats-Unis en 1969 pour étudier
la peinture à l’université de Yale avec Al Held, un
artiste innovateur qui avait développé sa propre approche
de l’expressionnisme abstrait. Mais à mesure que le temps
passe, la différence dans la perception picturale entre les
deux artistes s’accentue. Tandis que le plus âgé des
deux hommes tend vers une géométrisation des formes
et réduit dramatiquement sa palette pour arriver au noir
et blanc pur, Nahas ajoute de plus en plus de couleurs et de textures,
de sorte que tout son œuvre semble baigner dans la luxuriance. Comme
ces écrivains ou cinéastes qui doivent inévitablement
passer par l’étape autobiographique avant de la dépasser
et élargir les limites de leur imagination, il utilise l’or
avec une liberté totale, faisant exalter une nature sensuelle
et hédoniste, imprégnée d’art islamique et
de parisianisme raffiné. Appliquée en touches mesurées,
par moments, cette couleur précieuse brillera à travers
les ténèbres de la toile une brillance proche de la
lumière.
De l’ordre dans le chaos
D’énormes toiles géométriques, gaies, presque
« méditerranéennes », en sombres tableaux
abstraits qui évoquent la complexité du cosmos, d’une
autre série où la matière elle-même,
pigments d’acier, de fer et de graphite, en est le sujet principal,
ces changements de style dans l’abstrait ont tous une certaine cohérence
dans la vision. Le peintre a de l’immensité de l’univers
une compréhension quasi intuitive; les matériaux et
les formes dans leur diversité sont liés par des rapports
invisibles que seul son pinceau arrive a exposer à la lumière.
Ce n’est pas sans évoquer la philosophie artistique de Paul
Klee, sa capacité d’exprimer les forces contradictoires de
l’univers : « L’art ne reproduit pas le visible; il rend visible
», écrivait-il en 1920.
Rechercher «la géométrie dans la nature »,
c’est peut-être remettre de l’ordre dans le chaos qui semble
fatalement nous entourer. C’est ce principe « d’ordre dans
le désordre » que Nabil Nahas a découvert au
bord d’une plage de Southampton, introduisant depuis lors une perspective
fractale dans ses œuvres. Il fut empêché d’y faire
une promenade par une multitude d’étoiles de mer agonisantes
qui couvraient le rivage après une tempête. De la multiplicité
de ces formes jaillit, comme une vision, l’idée d’un tableau.
L’étoile de mer devient une source d’expérimentation
grâce à sa forme concise et linéaire. Il commençait
à voir ce qui servirait aux fondations de son travail fractal
à venir, couvrant sa toile, préalablement enduite
d’une épaisse couche d’acrylique blanche, d’une infinité
de moulages de l’échinoderme.
Les coups de pinceaux extrêmement serrés qui se succèdent
en couches superposées sont toujours donnés en toute
conscience et jamais gratuitement. Une peinture en cours ressemble
a du tissu vivant ou a des substances industrielles soumises a d’inexplicables
transformations. Récifs de corail ou océans infinis,
Nabil Nahas n’est jamais très loin du monde de la mer. La
texture de ce qui semble appartenir au monde organique est agrandie
au centuple, l’obsession du détail fractal devient une urgence.
L’artiste peut continuer, inlassablement, à poser ses couches
de pigments, rehaussant la rouille par du jaune lumineux ou bordant
le bleu profond par un magenta quasi fluorescent, jusqu'à
ce qu’enfin la toile prenne tout son sens. Malgré toute la
réflexion que génère son travail, il est étonnant
que le résultat apparaisse aussi spontané, ceci, peut-être,
grâce a l’aspect ludique des formes et de l’humour qui en
ressort ou à cause des couleurs d’une vivacité telle,
qu’elles semblent s’apparenter à la lumière.
La vision fractale de l’univers
Suzan Condé qui s’est investie de longue date dans l’aventure
du fractalisme pense que c’est un mode de vision de l’univers avant
d’être un art : La conscience qu’une structure identique sous-tend
tout être et toute chose dans l’univers, de l’infiniment petit
à l’infiniment grand, régit son approche. L’artiste
fractal fait lui-même partie de la structure et tente de l’incorporer
pour l’utiliser à des fins artistiques. Pour lui, le modèle
cartésien exclut toute irrégularité et toute
dynamique de la réalité du cosmos et de la nature
humaine. Le divisionnisme pictural des œuvres de Nahas produit une
impression générale de destruction, ce qui a pour
conséquence de perturber la notion d’échelle de vision.
Cela nous amène tout naturellement, à faire le parallèle
avec le processus utilisé par les Impressionnistes, ou mieux
encore par les Pointillistes. Les formes fragmentées peuvent
aussi bien être perçues comme des détails agrandis
que comme des ensembles réduits, vus à travers un
microscope. De loin, la surface devient tridimensionnelle nimbée
d’une grande luminosité.
La démarche de Nabil Nahas est incontestablement d’une originalité
novatrice, comme l’était dans les années 40-50 celle
de Pollock. Les deux artistes ont en commun l’énergie virulente
de la couleur, distribuée uniformément sur toutes
les zones du tableau. Le spectateur ne peut plus que se perdre dans
la profondeur sans fin de ces réseaux de filaments, qui,
chez Pollock, n’ont néanmoins rien de fractal. Nahas a été
souvent qualifié « d’élégant »,
qualitatif dont il voudrait parfois se débarrasser, pourtant
cette élégance évidente n’a rien de policé,
sa peinture peut par moments, par la représentation de la
nature dans ses extrêmes, dégager une esthétique,
intimement mêlée à une sourde violence.
►► Some
of the artist's artwork
Contact: editorial@onefineart.com
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